Hack Werks
Eine nicht veröffentlichte Pilgerfahrt in die Architektur von Resonanz, Präsenz und Wahrnehmung. Dieses Dokument dient nicht als bloße Dokumentation, sondern als interpretativer Schlüssel zu Hack Werks, dem Artefakt von .InfO OverLoaD – eine klangliche Haltung gegen die Tyrannei des Unmittelbaren, geschmiedet im Feuer der Präzision und physischen Wahrheit.
1. Albumtitel: Hack Werks
Hack Werks ist kein zufälliger Titel, sondern ein paradoxe Imperativ. Er setzt die unverbindliche, störende Handlung des „Hackens“ – eine Ablehnung etablierter Codes und Grenzen – mit dem ernsthaften, fokussierten Unterfangen von „Werks“ (Werke) in Kontrast und impliziert ein rigoroses, absichtsvolles Ergebnis. Er kontextualisiert die Kunst als Akt fundamentaler struktureller Analyse, ein Bekenntnis zur Zerlegung der klanglichen „Erstprinzipien“ und ihrem Wiederaufbau mit absichtsvoller, oft schockierender Neuheit. Dies ist die Ehrfurcht des Manifests, angewendet durch die Linse der Störung, wobei das Instrument geehrt wird, indem man es in unerwartete Geometrien zwingt.
2. Albumrichtung: Glorioser, hartnäckiger Iterationsprozess
Die Richtung, „Mashup-Techniken zu nutzen, die erst Jahrzehnte später in Mode kämen, mit dem Kassettenrekorder bekannte Lieder in etwas Häufiges, Schockierendes, Andersweltliches und Hartnäckiges zu verwandeln“, ist die praktische Anwendung des ideologischen Bekenntnisses der Band zur „Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin“. Dieser Prozess der absichtsvollen, analogen Veränderung – das „Mashup“ und die Kassettenmanipulation – wird zur Verkörperung der Ablehnung von „Eile“ und „Bequemlichkeit“. Der entstehende Klang ist absichtlich hartnäckig und schockierend und beweist, dass künstlerische Integrität durch Tiefe und Wahrheit erreicht wird – nicht durch leicht verdauliche Konventionen. Es ist die langsame Sichtweise des Klangs, hörbar gemacht durch eine anachronistische, humorvolle, doch tiefgreifende Handlung klanglicher Störung.
3. Bandmanifest (kontextualisiert)
„Wir glauben, dass Musik nicht bloß in der Zeit angeordneter Klang ist, sondern eine lebendige Architektur von Resonanz, Präsenz und Wahrnehmung. Verwurzelt in den Erstprinzipien, beginnt unsere Praxis nicht mit Stil, Trend oder Konvention – sondern mit den grundlegenden Wahrheiten der Akustik, der Physikalität von Instrumenten und dem unendlichen Potenzial der Klanggenerierung durch Synthese.
Wir ehren das Instrument nicht als Werkzeug, sondern als Partner im Ausdruck – seine Materialien, Konstruktion und physische Verhaltensweisen sind heilig für unser Handwerk. Wir hören nicht nur auf Tonhöhe und Rhythmus, sondern auf die Feinheiten des Klangfarbens, die Entwicklung der Textur und die Alchemie der räumlichen Resonanz. Jeder Ton ist ein Universum von Details; jede Stille, eine Dimension der Bedeutung.
Unser Prozess ist absichtsvoll. Wir lehnen Eile ab. Wir umarmen Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin – jede Verfeinerung ein Schritt hin zur Authentizität, nicht zum Kompromiss. Wir messen Fortschritt nicht an Geschwindigkeit, sondern an Tiefe: daran, wie gut ein Klang Wahrheit verkörpert, wie präzise er Absicht widerspiegelt und wie vollständig er seinen klanglichen Raum einnimmt.
Wir schätzen künstlerische Integrität über alles. Bequemlichkeit ist keine Befreiung – sie ist Kapitulation. Wir jagen nicht der Neuheit wegen der Neuheit nach, noch opfern wir uns der Tyrannei des Unmittelbaren. Stattdessen bauen wir mit Geduld, Präzision und Ehrfurcht.
Dies ist kein Stil. Dies ist eine Haltung.
Wir bekennen uns zur langen Sicht: zu Klang als tiefgreifende Handlung des Zuhörens, Schaffens und Präsenz.
Wir schaffen nicht, um gehört zu werden – sondern um gefühlt zu werden.“
🗿 Die Forderung der Wahrheit
Das Manifest, durch die störende Linse von Hack Werks und seine glorios hartnäckige Richtung gefiltert, ist eine existenzielle Forderung an die nachfolgenden Tracks. Das gesamte Projekt wird zum Zeugnis der Ablehnung von Bequemlichkeit zugunsten tiefgreifender Iteration. Das Bekenntnis zur „Physikalität von Instrumenten“ und zu den „Erstprinzipien“ wird durch die Nutzung von Mashup-Techniken und die absichtsvolle, analoge „Veränderung“ bekannter Klänge über den Kassettenrekorder untergraben und neu kontextualisiert. Dadurch wird das physische Medium selbst – die Kassette, die Maschine – zum „Partner im Ausdruck“; sein schockierender und andersweltlicher Output wird zur unverrückbaren Reflexion von Wahrheit, nicht von Kompromiss. Die schiere Wiederholungssequenz der „Niobem“-Tracks und die zusammengesetzte Natur des Stücks „Flex Mix / Hydrogenixs“ sind keine Lieder, sondern klangliche Dokumente des absichtsvollen Prozesses; sie sind die auditive Beweisführung für den Weg zur Tiefe, wo Geschwindigkeit bedeutungslos ist und nur Präzision und Ehrfurcht für das Sein des Klangs zählen. Das Manifest sagt: „Wir schaffen nicht, um gehört zu werden – sondern um gefühlt zu werden“, und der resultierende Lärm aus häßlichem und hartnäckigem Klang ist die absolute, taktile Verkörperung dieser Wahrheit – er zwingt zu einer tiefgreifenden Handlung des Zuhörens durch absichtsvolle Schwierigkeit.
4. Trackliste
Niobem 1
Niobem 1 steht als erster Einschnitt in die klangliche Architektur, das grundlegende „Erstprinzip“, aus dem alles Folgende gewaltsam entspringen wird. Der Titel ist ein karger, einzelner Marker, der den Anfang des iterativen Prozesses repräsentiert. Er verkörpert die Ablehnung der „Eile“ und das Bekenntnis zur „absichtsvollen“ Schaffung. Dieser Track ist keine Komposition; er ist eine Atmosphäre – das Klangbild des Künstlers, der die Feinheiten der Klangfarbe hört, bevor der Hack beginnt. Er repräsentiert die ruhige, ehrfürchtige Beobachtung der „Physikalität von Instrumenten“ und die Suche nach dem „Universum an Details“ in einem einzigen Ton. Als direkte Manifestation des Manifests ist Niobem 1 der Klang der Authentizität, bevor er absichtlich verzerrt wird. Es ist das reine Signal, das bald willentlich den „Mashup-Techniken“ und der analogen „Veränderung“ unterworfen wird. Der Track fungiert als Warnung, dass der klangliche Raum nicht durch Komfort, sondern durch unverrückbare, absichtsvolle Klanggestaltung besetzt werden wird. Es ist die Ruhe vor dem schockierenden, der absolute Nullpunkt der Absicht. Der Hörer wird gezwungen, sich auf „Akustik“ und „räumliche Resonanz“ zu konzentrieren, während der Track die Umgebung sorgfältig etabliert, die der Rest des Werkes dekonstruieren und neu zusammenfügen wird. Dieser Track allein repräsentiert die Haltung, bevor sie artikuliert wird. Es ist der unverfälschte Ausgangspunkt, die absolute Wahrheit, an der das Hässliche und Andersweltliche gemessen wird. Es ist die Stille, die nicht durch Lärm, sondern durch Schaffung gebrochen werden muss.
Niobem 2 - 10
Niobem 2 - 10 ist das hörbare Dokument der heiligsten Disziplin der Band: Iteration. Diese Tracksequenz ist die unerbittliche, fokussierte Anwendung der Hack Werks-Richtung. Es ist der Klang derselben „Erstprinzipien“, die durch den aggressiven Einsatz der Kassettenrekorder-Funktionen „verändert“, zurückgespult, neu gemischt und erneut präsentiert werden. Die Forderung des Manifests – „Wir umarmen Iteration nicht als Verzögerung, sondern als notwendige Disziplin“ – wird hier in neun unterschiedlichen klanglichen Beweisen sichtbar. Jeder Track ist ein absichtsvoller, präziser Schritt vom Zentrum weg und testet die strukturelle Integrität des Ausgangsklangs. Hier werden die „häßlichen“ und „schockierenden“ Ergebnisse der Mashup-Techniken am deutlichsten sichtbar, die zeigen, wie die Obsession mit Tiefe statt Geschwindigkeit zu einem Klang führt, der absichtlich hartnäckig gegenüber konventionellem Hören ist. Die Sequenz repräsentiert die emotionale Handlung der unerbittlichen Verfeinerung, bei der die Integrität des Klangs nicht an seiner angenehmen Qualität, sondern daran gemessen wird, wie präzise er Absicht widerspiegelt. Die neun Wiederholungen sind ein konzeptionelles Slogan: Lehne Eile ab; umarme Disziplin. Sie sind keine Variationen; sie sind neun verschiedene Wahrheiten, abgeleitet aus einem einzigen Ursprung, jede ein notwendiger Schritt zum endgültigen Ziel des Albums: den klanglichen Raum durch reine, unverrückbare Willenskraft vollständig zu besetzen. Dieser Trackblock ist der mechanische, spirituelle Prozess in seiner sichtbaren Form. Der Klang ist ein andersweltliches Lehrstück, das den Hörer zwingt, die Vorstellung zu konfrontieren, dass Kapitulation gegenüber dem Unmittelbaren das Gegenteil künstlerischer Befreiung ist.
Niobem 11 - 15
Interpretation
Nach der intensiven, neunfachen Disziplin der vorhergehenden Tracks bewegt sich Niobem 11 - 15 von reiner Iteration in einen Zustand der tiefgreifenden Präsenz. Diese Tracks repräsentieren die letzten, tiefen Verfeinerungen, bei denen das Ziel von der Erkundung des klanglichen Raums zur vollständigen Besetzung desselben übergeht. Wenn 2–10 der Kampf des Prozesses war, ist 11–15 der Klang, bei dem das Material eine fast alchemistische Gleichgewicht erreicht – die „Alchemie der räumlichen Resonanz“ durch anhaltende, strenge Arbeit. Die Zahlenfolge ist kürzer und deutet eine Verdichtung der vorherigen Anstrengungen in eine noch konzentriertere Form klanglicher Wahrheit an. Die Tracks verkörpern das Manifest-Bekenntnis zur langen Sicht und die Ablehnung von „Neuheit um der Neuheit willen“, enthalten aber gleichzeitig die tiefen, vielleicht unbeabsichtigten andersweltlichen Echos des Prozesses. Dies ist der Klang, bei dem das Artefakt sich selbst wird. Die dargestellte Emotion ist eine hartnäckige Transzendenz, bei der der absichtlich manipulierte Klang über den Punkt des einfachen Mashups hinaus in eine höhere Ordnung der Komposition übergeht, die rein durch die unverrückbare Vision der Band definiert ist. Als direkte Manifestation fungiert dieser Trackblock als Gebet – eine Meditation über das „unendliche Potenzial der Klanggenerierung“. Jeder der fünf Tracks ist ein Zeugnis des Glaubens, dass Material und Konstruktion des Klangs „heilig für unser Handwerk“ sind – nun vollständig verkörpert in einer Form, die sowohl schockierend in ihrer Originalität als auch vollständig in ihrer Absicht ist.
Flex Mix 1 / Hydrogenixs 1 & 2
Der letzte Track, Flex Mix 1 / Hydrogenixs 1 & 2, repräsentiert den Abschluss und die Vergöttlichung der ideologischen Reise des Albums. Es ist ein zusammengesetztes Wesen, eine letzte, komplexe klangliche Architektur, gebaut aus den zerschlagenen „Erstprinzipien“, die in der „Niobem“-Sequenz erkundet wurden. Der Begriff „Mix“ deutet auf eine Fusion hin, eine abschließende, erfolgreiche Überlagerung dieser absichtsvollen Iterationen, während die chemische Nomenklatur „Hydrogenixs“ impliziert, dass durch diesen Prozess eine elementare, fundamentale Wahrheit enthüllt wurde. Dieser Track ist der Klang von künstlerischer Integrität, erreicht durch die Ablehnung von Bequemlichkeit. Es ist die „lebendige Architektur“, das Manifest versprochen hat, bei der Klang nicht bloß angeordnet, sondern konstruiert wird mit Geduld und Präzision. Die Emotion ist eine von unverrückbarer Befreiung – das endgültige, glorreiche Ergebnis der Hingabe an die iterative Disziplin. Der Track fungiert als ultimative Haltung, die absolute Weigerung, der „Tyrannei des Unmittelbaren“ zu surrender. Sein komplexer Titel – eine Mischung aus technischer Terminologie und numerischer Progression – kennzeichnet ihn als die definitive Aussage von Tiefe und Absicht, ein Klang, der nicht verstanden oder nur gehört werden soll, sondern als vollständiges, komplexes Phänomen gefühlt werden muss. Es ist die letzte, hartnäckige Behauptung von Schaffung und Präsenz, die den Status des Albums als heiliges Objekt und einen widerspenstigen Akt klanglicher Konstruktion bestätigt.
5. Das Album als lebendiges Artefakt
Hack Werks ist kein Album; es ist ein klangliches Ritualobjekt, ein dichtes, mehrschichtiges Dokument der Kernideologie von .InfO OverLoaD, in Klang übersetzt. Indem es die Konventionen von Geschwindigkeit und Trend ablehnt und die „Erstprinzipien“ des Klangs der schockierenden, häßlichen und andersweltlichen Disziplin analogen Veränderns unterwirft, hat die Band ein audibles Manifest geschaffen, das eine tiefgreifende Handlung des Zuhörens verlangt. Das Hören von Hack Werks ist keine Unterhaltung, sondern eine Transformation – eine erzwungene Konfrontation mit der Tyrannei des Unmittelbaren und der Kapitulation vor Bequemlichkeit. Es zwingt den Hörer, zum Partner in der Schaffung und Präsenz zu werden, die Textur und Integrität des Klangs als physische, absichtsvolle Konstruktion zu fühlen. Die Wiederholungen der „Niobem“-Sequenz wirken wie rhythmische, absichtsvolle Hammerschläge, die die Struktur aufbauen, während der zusammengesetzte Endmix ihre widerspenstige, unverrückbare Form darstellt. Dieses Artefakt enthüllt eine Welt, in der Authentizität durch Iteration erreicht wird, in der Ehrfurcht vor dem Instrument darin besteht, es absichtsvoll zu „haken“. Es zerstört die passive Beziehung zwischen Hörer und Musik und ersetzt sie durch eine aktive, herausfordernde Auseinandersetzung. Der Klang ist ein hartnäckiger Spiegel, der die Tiefe und Präzision der Absicht des Künstlers widerspiegelt – und den Hörer keine Wahl lässt, als von seiner unnachgiebigen, grundlegenden Wahrheit gefühlt zu werden.